私は自分の人生の大部分を博物館で、そして博物館に恋して過ごしました。私が10歳のとき、私の家には芸術については言及されていませんでした。しかし、その後、母は私を郊外からシカゴ美術研究所に運転し始めました。そこで、彼女は何時間も自分でアートを見て、私に同じことをさせました。当時、私は一人でいるのが好きでしたが、博物館が嫌いでした。私は彼らが年をとって死んでいると感じました、人々がただ立ってじっと見つめていた場所。しかし、ある日、待って、退屈し、陰気になって、私は自分が2つの美しく色の隣接する古い絵画に夢中になっていることに気づきました。左側では、刑務所の独房の外に立っている男性のペアが、セルの内側のハローの男性と話をし、近くの信じられないほどのヒョウが守られています。長い間、私は右側のパネルを見ました。ここで、設定は同じでしたが、時間は異なっていました。ヒョウの代わりに、巨大な血まみれの剣を鞘に戻す男がいます。セルの内側のハローされた男は、敷居を覆って体を支え、バーを通して切断された首を伸ばします。彼の頭は、血が全体に噴出するので、大皿の上にあります。私は何度も行き来しました。左、右。それから何か巨大な何かが私を襲った。これらの画像は物語を語っていました。絵画は、ルネッサンスの画家が視点を理解し始めていた15世紀のものでした。それでも、彼らは死んでいませんでした、彼らは少なくとも私が彼らを見たとき、彼らは生きていました。 1450年代の2つの絵画、まだ私に魔法をかけています。驚いて、私はギャラリーを見回して、ゲートが開いているのを見ました。私はそれぞれの仕事が同じだと思った - 声、憧れ、痛み、または誇りに思っているが、視覚的な舌で、歴史を通して私に話しかけた。たぶん、この突然の驚くべき建物のすべてが物語を語っていたのかもしれません。私はこの不協和音、この生きているカタコンで永遠に過ごしたかった。数ヶ月後、母は自殺しました。 20代になるまで博物館に戻りませんでした。
それまでに、1970年代には、私の背景に芸術がなく、ただのニーズがありましたが、私は博物館が何であるかという考えを集めていました。つまり、古い芸術が保管され、保存され、祝われる場所（忠実にしか）です。私はまた、博物館が問題がある可能性があり、彼らが不可欠な判断を下し、彼らが重要な人口全体を除外したことを知っていました。もちろん、博物館は王室のショールームとして発明され、いくつかの非常に残忍な州（ナポレオンのフランス、植民地主義イギリス）の力の勝利デモンストレーションは、より広い世界の文化的な家畜を集めました。博物館が最初に米国に来たとき、それは古代と傑作のコレクションを振り回すことで西洋文明のテーブルに座を獲得するためのアメリカの努力の一部でした（メット、私たちの最初の世界クラスの機関は、そのいとこであるルーブル美術館や大英博物館のように百科事典であることを意図していました）。後で、ママ特に、博物館自体は攻撃的な文化的外交の腕になり、冷戦のキャンペーンとして抽象的な表現主義を促進します。ですから、私は博物館がおとぎ話のような場所ではないことを知っていました。大理石の壁の中で芸術の歴史を囲み、キュレーションするという実践は、偏見やブラッドラストさえも囲まれています。しかし、これらの建物は、シカゴに床を張っていたジョヴァンニ・ディ・パオロによる聖ヨハネ・ザ・バプテストのサイクルのような傑作のような傑作のような試金石、ベンチマーク、文化的な骨格の鍵、人間の想像力の並外れたプロービングを囲んでいることも知っていました。実際、私はそれらがecとした何かを含んでおり、永遠の何かを表していることを知っていました。
たぶんそれはナイーブでロマンチックですが、強盗男爵の証言、王子の特権、受け入れられた味の執行、植民地主義、さらに悪いことに、私はまだ博物館のプラトニックな理想を見ています。そして、芸術的な祖先、原型、伝統、ジャンル、および方法とのコミュニケーション。シュメール人の王は古代を収集しました（1人の学者は、第2ミレニウムBCタブレットを「博物館のラベル」として解釈します）。 3、500年前に中国では収集と表示が浮上しました。ギリシア人が作成しましたピナコテケ神を称えるために紀元前5世紀に。記憶が私たちと一緒にいる限り、博物館は私たちと一緒にいました - 「静かな車」言葉ニューヨークの時代批評家ホランド・コッター、見ている場所は世界と私たち自身を知る方法です。そして、過去が常に生きている場合、時には現代の瞬間よりもさらに鮮明に、2人は永遠のプレゼントの体外の恵みに融合しています。
しかし、博物館は大きく変わりました。過去四半世紀にわたってゆっくりと、過去10年間ですぐに。これらの変化は複雑で断片的で、時には矛盾しており、異なる博物館が異なる方法でそれらを受け入れています。しかし、変換はどこにでも見えます。簡単に言えば、それはこれです。博物館は、過去の芸術のための貯蔵庫であっていました。現在 - 特にテートモダン、グッゲンハイムビルバオ、そして私たちの最愛のママによって具体化されているように - 博物館は、新しい、今、次の、常に活性化されたイベントや経験の市場の改装されたショーケースです。博物館産業を占領する以外に存在する理由は、批評家のマシュー・コリングスが「肥大化し、愚かで、コーポラティスト、恐ろしく、死にたまった」と呼んでいる業界です。
楽しい家のアトラクションのリストは長いです。 MOMAでは、私たちは誇張していました、Björkのひどく終わったショーティム・バートン、レインルームセルフィートラップ、そしてガラスケースで眠っているティルダスウィントンの1日の光景。今年の夏ロンドンであなたは乗ることができますCarstenHöllerの建物のハイスライドヘイワードギャラリーでは、楽しい家は文字通りです。他の場所では、もう少し「大人」です。2011年、LAのMoca舞台マリーナ・アブラモビッチサバイバルモカディナー、出席者が食べた夕食のテーブルで、スケルトンの裸の女性を含むメガキシュの一部。 2012年、ロサンゼルス郡美術館は、高さ21フィートの340トンで70,000ドルを支払いましたボルダーアーティストのマイケル・ハイザーによって、博物館の前にあるセメントトレンチにそれを設置し、本質的に写真撮影のために1,000万ドルを支払いました。昨年、シカゴの現代美術館は、ぬるいデビッド・ボウイを搭載しました見せるそれにもかかわらず、カタログの出席と販売、「限定版プリント」、およびTシャツの記録を破りました。グッゲンハイムでの多くの焦点を絞っていない最近の眼鏡の中には、カイ・グオチアンがいました9台の車ロタンダに吊り下げられて、それらから照明が撃たれました。これらの非常に高価な努力の皮肉は、作品とショーがおそらく「急進的」で「学際的」であるということですが、彼らが生み出す経験は、本当に、グレースランドへの訪問に近づいています。 」
このようにして、古い博物館モデルは別の博物館に置き換えられました。大まかに本っぽく、ゆっくりで、少し聖なる性的に、リスク回避ではなく、慎重であり、奇妙に他の人であり、反省、愛好家、栽培、保存（主に過去のものだけでなく、新しい偉大な作品の）に捧げられた博物館 - これらの博物館より速く、既存のコレクションに無関心であると感じる機関に変身し、常に新しい仕事、新しい群衆、新しいお金を追求しています。これらの場所を、一部（MoMaとGuggenheimのモダニズムコレクション）が他のもの（The Met's、The Louvreのコレクション）よりも狭く専門化されていたため、これらの場所をキヤノンの実施形態や探索のようなものと見なしていました。しかし、博物館のキュレーションと収集の長い視点が今、彼らの多くがまだうまくやっていても、最もエネルギーを吸い込んでいる機関は、パーティー主導のグローバルなグローバルなもののように、スペクタクルのプラットフォームに自分自身を作ったものです。アートフェアフィーシングフレンジーは、永久に1か所、1つの建物に居住していました。さらに、アクセシビリティがすべてになりました。より多くの博物館がオンラインでコレクションを利用できるようにしています。悲しいことに、アートは肉体よりもそこで見られることがあります。 Acoustiguidesはますます一般的になりましたが、できることはたくさんありますが、彼らの最も重要な機能は群衆制御であるように思われます。
ニューヨークの博物館は、この新しいモデルが引き継ぐことで、すでに異質に感じることができます。そして、私たちは変容の終わりではなく、本当に最初にいます。マンハッタンの4つの大きな博物館すべて - メット、ママ、ホイットニー、そしてグッゲンハイム- 大規模な拡張、改修、および再建に着手したか、関与しています。これらは単なるインフラストラクチャの更新以上のものです。私たちは、新しいアートミューズムの宇宙での覇権のための四方競争を目撃しています。ホイットニーはダウンタウンに移動しています、ギャラリー地区の中心部の近く。堂々とした出会いが引き継がれましたホイットニーのオールドマディソンアベニューブルーアービル50世紀の芸術の比類のない恒久的なコレクションではなく、現代の作品のために、145年の歴史の中で初めて、戦後の歴史を再考するために、新しいスペースを利用します。アートクラウン（野心は、そのギャラリーが現在名付けられている衣装研究所の上昇によってうまく補完されました流行編集長のアンナ・ウィンツアー）。 MoMaは2004年にこの方向に1つの改修を行い、恒久的なコレクションのために不十分なギャラリーを生産しましたが、十分なパーティースペースを生産しました。 10年後、それは倍増しており、「灰色の箱」と「アートベイ」と呼ばれるイベントスペースの周りに向けられたさらに悪い建物を構築しています。そして、グッゲンハイムのより多くのグッゲンハイムを作ることに対する狂った執着は、アブダビの巨人フランク・ゲーリーと続きます。
これをすべて驚くべきものにしているのは、これらの博物館がこれまで全面的な競合他社になったことがないことです。これまで、彼らは明確なミッション、コレクション、キュレーターのアイデンティティを持っていました。ホイットニーはアメリカの芸術についてでした。モマはモダニズムのエデンのフランスフライガーデンでした。そして、グッゲンハイム - まあ、グッゲンハイムは常に少し混乱しており、その信じられないほどの建物によってほとんど際立っています。しかし、今では、突然、そして初めて、キュレーターがショーをすることができないことについて話すことは珍しいことではありません。
これらの博物館はそれぞれ、過去の芸術を保存、収集、展示しています。しかし、現代美術、ギャラリー、オークション、アートフェア、ビエンナーレを中心としたアクションとビッグマネーにより、それぞれが今まで以上に献身的であり、今の芸術と新しいカルトに献身的です。私は新しいものが大好きです。私はそのカルトのメンバーです。これは、芸術の世界がジプシーと夢想家の私の代理家族になったことの一部です（はい、私はマッシュです）。しかし、そのカルトとスペクタクルの昇進は、私たちが知っているように博物館の終わりである可能性があり、キュレーター、芸術家、ギャラリスト、コレクターと過去1年間に私が過ごした数え切れないほどの会話の主題であり、すべてが認めています。途中の大きな変化。 「問題は、美術館がギャラリーと同じように現代の芸術を最新にしようとしていることです」と画家で批評家のピーター・プラゲンスは言います。 「博物館が保存するもの（セザンヌ、ジョーンミッチェルなど）と現在（Björk、Interactive Artなど）がこれまで以上にスポットライトを当てる方法との間の文化的距離は大きいです。」元ヴェネツィアとホイットニー・バイエニアルのキュレーターであるフランチェスコ・ボナミが言ったように、「彼らは最後のコレクションにしか続かず、他の博物館のショーのように見えるようにするためにコンテンツであるファッションの世界の人々のようなものです。」 Plagensは、数年前、元Mocaのディレクターであり、インプレッサリオのJeffrey Deitchは、「博物館には若い聴衆が必要であり、若い視聴者が見たいのは、イベントがファッションショー、ロックコンサート、展示会のオープンであろうと、イベントであると言ったと言います。 」そして今？ 「つまり、ジェームズ・フランコをクソはどこにでもいます」とプラゲンスは言います。 「マイリー・サイラスは芸術世界の舌にあり、キュレーターは宮廷人、博物館は滑走路です。」もちろん、彼は、「博物館は生き残るでしょう。しかし、どのような形で？」
5月1日にオープンし、レンツォピアノによって設計された新しいホイットニーは、最初に発表されたまったく新しい博物館です。角張った、非対称の船の形をしたハイラインのふもとに、観光国の奥深くにあり、中心部に隣接しています。アートマーケットビースト、世界のブルーストチップギャラリー地区、チェルシー。この動きは、4つの主要なマンハッタン博物館のうちの1つが、1966年にホイットニーがブリューアービルに移動して以来、別の近所のために旗艦を放棄したのは初めてです（1954年に元のウェストビレッジブラウンストーンから西54番街に移動しました）。ダウンタウンの動き自体は重要であり、博物館をボヘミアンの部族のアイデンティティの場所でルーツに戻します。アッパーイーストサイド。それが価値があることのために、博物館は桟橋を直接見下ろしますタイタニック生存者は下船しました（船自体は5つの桟橋を北にドッキングしました）。
建物の大胆さは、はい、ホイットニーが新しい時代を生き残ることを示しています。しかし、より良い質問は、それがその中で繁栄する方法を見つけたかどうかです。そして、信じられないかもしれませんが、私はこの建物が表しているものに恋をしています。アメリカは見るのが難しいです。」このショーには、約400人のアーティストによる600の作品が含まれており、3,000人のアーティストによる21,000人以上の作品の博物館のコレクションから完全に描かれています。この博物館は、現在のモラスを通して一方向を指していると思います。
なぜ？建物から始めましょう。私はそれがどのように見えるか気にしません。それは「十分に好意的」ですが、芸術愛好家としての私の唯一の懸念は博物館の内部にあります。私は新しいホイットニーの外観を判断しなければならなかったなら、それは病院や製薬会社のように見えると思います。 （私たちの建築評論家、ジャスティン・デイビッドソンは、新しいホイットニーについて彼の意見を述べています。）しかし、私にとって、建物のジェネリズムは、ホイットニーにとって重要なことが虚栄心、壮大さ、ショーボート、セレブ、目的地の建築ではないことを示唆しています。
では、何が中にあるのでしょうか？まず、スペース。今日の大胆な基準では、新しいホイットニーは控えめです。その場所は一晩過密になる可能性があります。しかし、博物館が以前に持っていたよりも多くのスペースがあり、それがより多くのスペースが恒久的なコレクションを紹介することに専念しています。これまで、ホイットニーには、博物館の約32,000平方フィートの展示スペースの約7,725平方フィートの恒久的なコレクションのためのわずかなギャラリーしかありませんでした。 5階のギャラリーは改造されたオフィスであり、このコレクションには適していません。ホイットニーがBreuerに引っ越したとき、コレクションに2,000の作品があり、1970年には105のスタッフがありました。現在、21,000のコレクションがあり、オープンすると300人のスタッフがあります（この場所は移動する必要がありました。）ピアノの建物には約50,000平方フィートの屋内展示スペースがあり、そのうち2階で20,500恒久的なコレクションに専念しています。 （現在残っているまれな肉加工施設で現在占有されている隣接するロットを請求するスペースがさらにあります。これは、ホイットニーがすでに貪欲に注目している感覚を得ています。）そこで、スペースは開いて、シンプルで、シェーカーのようです。幅の広い松の床は完璧です。これは、ホイットニーが他の3つの大きなマンハッタンの博物館がやっていないことをするために4億2,200万ドルを費やしたことを意味します。古いアートのためにより多くのより良いスペースを作り、新しいアートのためにより多くのより良いスペースを作ります。どんなエレガントな解決策：なぜこの身長の博物館を選ばなければならないのですか？さらに他の人は持っています。
第二に、現代のマニアに夢中にならないという知恵を持つキュレーターのチーム - パンダリングやひずみを負わずに新しいエネルギーを利用すること。最近、博物館とそのスタッフは芸術の世界で多くの愛情と賞賛の対象です。そして、のれんは博物館を賞賛するための無形の質のように思えるかもしれませんが、それは何かを反映しています。そして、この機関（これはインストゥルメンタル）。そして、ホイットニーは過去の過ちから学んだことを示しています。これは、ここのホイットニーの道路がせいぜい岩が多かったことを考えると、そのことを示しています。 1990年代初頭に過度にブランドPCを取得します（実際にはスポットオンであった場合）。企業の考え方で疑わしいショーで、初期に芸術の世界に違反しています。 6年以内に2人の取締役の退任。これらの瞬間のそれぞれにおいて、問題は博物館が不規則に変化しようとしていることでした。 2003年には非常に悪かったので、博物館があまり能力の低い監督を雇っていたなら、ホイットニーは失われたかもしれないと思います。
実際、新しい建物の周りの警備された楽観主義の多くは、博物館のディレクターであるアダム・ワインバーグと彼の手口と関係があります。乱れた教授のように服を着て、ボサイの巻き毛の髪の毛で、60歳のワインバーグは、彼の監督の兄弟よりもひどく、寛大で、迅速に信用を与え、熱心で、親しみやすく、芸術や芸術家の昔ながらの真の信者であり、決して無害であるか、独裁的。他のトップティア博物館の監督と同様に、彼はヴェネツィアとドキュメンタに行きます。しかし、私が彼を見たとき、それは群衆とお金が移動したオープニングの数週間後です。多くの場合、私は彼が芸術を一人で見ている、手にマッピングし、メモを走り書きし、ポケットに入ったホテルのサンドイッチを走っているのを見つけます。彼は、娘とサンドイッチがないギャラリーで同じことをしているのを発見することができます。
しかし、ワインバーグと彼のチーム、特に、チーフキュレーター兼副ディレクターのドナデルボ、キュレーター兼アソシエイトディレクターのスコットロスコップは、博物館の異常な使命のおかげで、ホイットニーが3番目の理由であるため、異常な条件で運営されています。新しい時代に非常に適しています。デ・サルボが言ったように、「ホイットニーは建物ではありません。それはアイデアです。」アイデアは実際には質問であり、質問は「アメリカの芸術とは？」です。
その使命は本当の鍵です。それは進化するコレクションを管理する進化する問題であるため、このミッションは博物館を、競合他社、特に歴史化と期間化に負担をかける多くの義務から解放されます。結果は、博物館が収集することを選択したものと、古いものと一緒に新しい作品をショーに統合する方法の両方で、はるかに柔軟性が高くなります。メットは、現代芸術に拡大しても、世界史上卓越性の簡単な基準と、その時代と起源の観点から作品を分類する非常に伝統的な傾向を保持しています。 MOMAは、原則として、Avant-Gardeの連続した伸縮のそれぞれの反復を正規化するという戦後のプロジェクトにコミットし続けています。これは、この用語が非常に多くの意味を失い、新しい動きがはるかに奇妙で、より特異で個人的に進化したことで、問題のある使命です。以前よりも直線的なファッションが少ない。この時代の美術史が書かれているとき、それは多くのISMとはなりません。
ホイットニーは、ISMでキュレートする方法をほとんど知りません。 1930年にアメリカの芸術を収集、探索、説明、尋問するために設立され、常に独自の使命の流動的な感覚がありました。それ自体は常に生きている、働く芸術家に。 （実際、最初の3人のホイットニーキュレーターはアーティストでした。）しかし、そのキュレーターは、私たちの新しいクレイジー時代のミッションも見事に再想像しました。これは、商業だけでなくグローバリゼーションと百科事典の知識によって定義された時代もあります。オンラインで美術史のあらゆるアイオタにアクセスできますが、ほとんど歴史的なソース素材の厄介な束よりも、狭く定義された芸術史のテレオロジーとしてそれをあまり知りません。
ホイットニーは、古いものと一緒に新しい作品を考慮する方法、まったく異なるコンテキストで生成された作品をまとめて、スパークが飛ぶのを見る方法を知っています。たとえば、アシュカンスクールの絵画やポップに捧げられた部屋（またはコレクション）を永遠に委託する必要性から解放されたキュレーターは、数十年のさまざまな絵画と一緒に数十年にわたって複数のショーで単一の絵画を掛けることができ、毎回プロンプト別の計算 - 色の使用、別の場合はラインの使用、ジェスチャー、構成戦略、狂気やロマン主義または都市体験との関係、音楽、物質性、プロセス、テレビ、またはテレビまたは映画または大陸哲学。リストは、キュレーターが創造的である限りです。
最初のショー利点を非常に強力に示しています。展示されている作品の4分の1以上が数十年で見られておらず、多くの人がこれまでに見せられたことがありません。効果は、1975年以来生まれた人々に伝統を放棄することなく、新しい作品を折りたたむことによって、アメリカの美術史についてのアイデアを作り直すことです。それらのアーティストと彼らの作品を、ランニングの会話の一部として扱い、絶えず回復するように設計されたものです。 。何度も、私が知っていると思っていたアーティストは、真新しくて突然関連性があると思っていました。セカンドスリンガーは、彼らが今まで見てきたよりも先見の明と適切なものとして、力強く前面に足を踏み入れます。たとえば、de Kooning'sのような自慢の抽象表現主義者の傑作のギャラリーで見るのはスリリングです川へのドア- たぶん、今の博物館での純粋な独創性の観点から最高の仕事と、ロスコの途方もない絵画赤の4暗い暗い仏教のテレビのように発せられるヘッダ・スターンの電気ニューヨーク、ニューヨーク、1955年スプレー塗料は絶対に現在のように見えます。奇跡的に、アルフォンソ・オッソリオのひっかきと飛び散ったキャンバスは、ジャクソン・ポロックに対して独自のキャンバスを保持しています。このような啓示は例外以上のものです。そして、それらは、博物館への鍵を10番街まで完全に渡すことなく、現代美術の新鮮なエネルギーを過去に関する新しい洞察に活用する非常に重要な方法の1つです。
ありがたいことに、博物館にはすでにこのプロジェクトに完全に適した恒久的なコレクションが恵まれています。誰もがホイットニーのホールディングスをうんざりしていますが、コレクションは単数形であるだけでなく、これまでに見たことがないこともあります。おそらく、この最初のショーで最も心強いことは、キュレーターがどのように熱心であるかということですこれらの作品は、長い間隠されており、新しいものと会話します。 Allan D'Arcangelo'sを参照してくださいマドンナと子供、ジャッキー・ケネディを呼び起こす空っぽい画像、そしてマルコム・ベイリーの手描きの1969年の奴隷船の描写は、ウォーホル、ジョンズなどのポップの傑作の壁に彼らの場所を持ちます。アルマトーマスの鮮やかな色のパートごとの絵画に遭遇します火星のほこり（1972）ホイットニーでは、彼女の作品の1つがオバマホワイトハウスにぶら下がっていると同時に、このおそらくより少ないコレクションにどれだけの光学的DNAが埋もれているかを認識させます。そして、MOMAは正当にセザンヌにその物語を始めることで場所の誇りを与えていますが、ここでは、Marsden Hartleyによる並べ替えの絵画に誇りを持っています。これらの2つの作品により、私たちはすぐに、アメリカの芸術家の努力、絶望、意志、および個性と即座にコミュニケーションをとっています。これらの2つの絵画では、ドイツの表現主義とキュービズムを統合するアーティストが見られますが、神秘的で先見の明のあるアメリカのひねりを加えています。 1つの抽象的な構成の陰気な黒、パラードレッド、バナー、正方形、および十字架はすべてハートリーの恋人のベールに包まれたシンボルであり、第一次世界大戦で殺されたドイツの将校です。ハートリー。私はそれが大好きです。 Rice PereiraによるBoat Partsの印象的な大きな1932年の絵画は、Gaga GnarlessのほぼGustonのようなレベルを与えてくれます。そして、1930年代に痙攣するアメリカを描いたサロンスタイルの壁は、あなたのトラックであなたを止めます。石炭と鋼鉄のストライキのアリス・ニールによる1935年の絵画に加えて、ハリー・スターンバーグの1935年の悪魔のリトグラフがあります。南部の休日。それは、23歳のクロード・ニールが苦しんでいる地球上の地獄を描いています。彼はフロリダで白人女性をレイプしたと非難された。彼のリンチは新聞に宣伝されていました。自警団は彼を刑務所から誘nし、彼をポストに縛り、指とつま先を切り取り、彼を去勢し、彼にペニスを食べさせました。その後、彼の壊れた体は車の後ろに引きずり込まれ、犠牲者とされる家に届けられました。アメリカは「見るのが難しい。」
この種のショー - この種の博物館の形は、Breuerでは不可能であり、ホイットニーは他の博物館がなんとかしたものよりもはるかに適した環境を構築してきました。部分的には、これは、ホイットニーが建物ではなく、楽観主義の次の理由である光景ではなく、設定を作るという素晴らしい本能を持っていたためです。私の最初の訪問で、私は建物を出入りし、屋根のデッキとテラスの上に、屋外の鋼鉄の階段を上下に、ギャラリーを通り抜け、最初のホイットニーに驚嘆するために立ち止まりました：紙オンペーパースタディセンター、劇場、教室、もちろん、建物内で最高の景色とスペースを備えた無限により良い修復施設。私の心臓は、これらの屋外と屋内のスペースが実際に統合されている可能性があり、退屈な幾何学的な彫刻のための外観の「彫刻裁判所」だけではないということで、私には速く鼓動し始めました。 Solo and Group Showがこれらのスペースを統合する場合、これは全体の可能性を倍加します。無料のロビーギャラリーは、後付けやゲットーだけでなく、夢であり、芸術的な露出のエンジンになる可能性があります。建物内の光は並外れており、景色は非常にパノラマで、ニューヨークのサウル・スタインバーグの漫画になり、アメリカと世界を見ています。彼らはセルフィートラップかもしれませんが、私は彼らが大好きです。最も重要なことは、これがすべて芸術や芸術家のために構築されたように思われます。これは私の楽観主義の最後の理由であり、おそらく希望に満ちた思考のように感じるものです。
博物館は、瞑想的な静かな車から商業的な狂乱のまさに中心にどのようになりましたか？特に適切なキュレーションミッションを責任を持ってナビゲートするために特に鋭いキュレーターのグループを必要としていたのでしょうか？アメリカでは、1つの「コーポラティスト」の人物は、先見者やボギーマンのように大きく迫っています。 1990年に最近、アートの世界は当時の尋ねを見ていました。彼が有名人、クライアント、マーケティング担当者とのアートフェアやビエンナーレの金銭的な境内をうろついて、速く動き、取引をし、ゆるいプレー、資金を探して、すべて明白な視界を眺め始めました。当時、博物館の監督はそのようなことをしませんでした - 少なくともそれほど露骨ではなく、大喜びではありませんでした。すぐに、彼はカンディンスキー、チャガル、モディリアーニの作品を売却して、イタリアの伯爵のコレクションから新しいアートを買うための資金を集めました。 1998年、BMWはクレンズの大ヒット作「オートバイの芸術」を引き受けました。クレンズは批判を「非ストーリー」として却下し、「機関を支援するのは誰ですか？それと関係がある人。」彼がグッゲンハイムブラジルを開こうとしたとき、彼の博物館は「ブラジル：ボディ＆ソウル。」中国が経済大国になったとき、ググは「中国：5、000年。」これらのショーは広大な、一貫性のない混乱でした。ベルリンにはドイツ・グッゲンハイム、ソーホー・グッゲンハイム、さらにはベネチアのリゾートホテルカジノにあるグッゲンハイムラスベガスさえいました。実際、沖にグッゲンハイムヘルシンキがいると思います。何でも;クレンズは、将来の成功した博物館には「素晴らしいコレクション、素晴らしい建築…2つのショッピングの機会、2つの食事の機会、インターネットを介したハイテクインターフェース、グローバルネットワークを介した規模の経済」を持つべきであることを有名に述べました。多くの人がそうしています。
当時、クレンズは無法者と見なされていました。しかし、彼は本当に預言者であり、商取引とファッションのタウドリーのbus騒からの避難所から遠く離れて博物館がそれに交通できることを見るのは、彼が本当に預言者であることが判明しました。実際、彼らがパトロンになる世界の裕福な人々の注意を維持したいなら、しなければならないかもしれません。 「彼らは薄い氷の上を踏んでいます」とコレクター、作家、ギャラリストのアダム・リンデマンは警告します。 「このお金と人気の狂乱の中で、新しい芸術は古いものをownれさせます。私はロマンチックではありませんが、良い時代は永遠に過ぎ去りました。」
信じられないかもしれませんが、博物館の世界の残りの世界がこのビジョンに巻き込まれた年を実際に特定することができます。ダムは2000年に壊れました。博物館は以前に群衆を喜ばせる建築眼鏡を上演していました。パリのポンピドゥーセンターとミセドルセイ、ルーヴルは派手なガラスピラミッド、ベルリンの巨大なハンバーガーバーンホフ、クレンズ自身の偉大なツーリズムで自らを反乱させました。 、悪い - Any -Artist – Execte -Richard Serra Guggenheimビルバオ。しかし、巨大な、国家資金の370,000平方フィートで圧倒された巨人の新しい時代テートモダンロンドンでは、テムズ川を渡って博物館に新しい歩道橋を備えています。 （ニューヨークが川を渡って博物館に行くために橋を建設するという文化的なメッセージを想像してみてください。別のマンモステートがテムズ川に建設中です。）イギリスのアーティストジェイクチャップマンは、新しいテートがアートを普及させることであることを見守っていました。 ：「テートは、すべての溶けて、慈悲深い親のようなものです。はいと言うだけです。彼らは芸術を暗黙のうちに耐性として提示するのではなく、心地よいものとして提示します。」伝説的なキュレーターのクラリッサ・ダリンプルは次のように同意しました。
それが給餌する必要があったのは、芸術ではなく、群衆でさえなく、特に芸術のための公的資金を減らし、非常に裕福な人の注意のための信じられないほどの競争の圧力を減らした時代においてでした。真実は、芸術の世界全体が私たちの目の前で変化したことでした。そして、多くの人が隔年の文化、芸術のオークション、アートフェアの多面的な台頭が大きな変化を意味することを早期に理解していましたが、それが博物館にとって何を意味するのかを見た人はほとんどいませんでした。常に消費主義とチューリップマニアに対する防波堤のように思えていました。今年、新しい建物と新しい買収と請求書に資金を提供するために傑作を売っている博物館についての一連の物語がありました。最も有名なのは2月のニュースでしたMomaは、オークションで1887年のモネを販売しています「買収基金に利益をもたらす」。しかし、小さなアイテムが私をもっと苦しめました。先月、ドイツのウェストファリア州博物館は、ジョヴァンニ・ディ・パオロによる聖ヨハネ・ザ・バプテスト・パネルの販売を検討していると発表しました。必然的に、これらの作品はプライベートコレクターに送られ、永遠に公開されていません。
だから今、大きな質問：これはすべて悪いのですか？まず第一に、それは完全に新しいものではありません。ジャスパー・ジョンズは、1958年の最初のレオ・カステッリ・ソロから3つの絵画をMOMAに売りました。フランク・ステラは、彼の最初のカステッリショーの前にMOMAに仕事を売った。マシュー・バーニーは、ニューヨークのソロデビューの60日以内に博物館のショーを開催しました。お金を腐敗させる芸術、お金、博物館、現代美術は少なくともモダニズムの出現以来、ベッドフェローでした。そして、高と低いものの混合についての永続的なフレットにもかかわらず、アートとポップカルチャーは永遠にcanしています。
新しい時代の主な問題は、すべてが同じように見え始め、誰もが同じようにキュレーションしていることです。これらのCarstenHöllerSlidesは、ベルリン、ニューヨーク、ミラノだけでなく、テートモダンにも出演しています。 2週間で3つの都市で3つのショーで同じShirin Neshatビデオのインストールを見たと思ったことを思い出します。それは、独創性を生み出す骨髄を破壊するキュレーターウイルスのようなものです。忙しいキュレーターの蜂は、ショーから飛び、ショーのために飛び、お互いのパネルに参加し、お互いのカタログにテキストを書き、クライアントにアドバイスし、アートフェアやオークションハウスで展覧会を開催し、国際アートアカデミーで教える、裁判官の名誉ある賞を提供します。お互いのペットアーティスト、アートマガジン（！）でお互いのショーをレビューし、クレイジーのようにキュレートします。彼らはコレクターのようなアートフェアで偵察します。 Instagramを見ると、これらの人々の多くは絶えず旅行していることが確認されています。彼らのショーの多くが同じように見えるのも不思議ではありません。ホテルのロビーで考えられ、封筒の背中に書かれ、アシスタントにメールを送られたように。この孤立性の悪夢の並外れた確認で、ジュリア・ハルペリン報告今月はアート新聞「2007年から2013年の間に米国の博物館で開催された大手ソロ展のほぼ3分の1が、わずか5つのギャラリーに代表されるアーティストを特集しました」（Gagosian、Pace、David Zwirner、Hauser＆Wirth、Marian Goodman）。この見た目のようなモノカルチャーは悪化します。ラモカでは、数字は40％です。 MOMAでは、45％です。グッゲンハイムでは、90％以上です。ボナミが観察しているように、「博物館は同じ芸術を望んでいるので、彼らは愚か者の間で愚か者になります。誰もがばかであるなら、誰も馬鹿ではありません。」
しかし、博物館が現在の仕事を見せるのをやめるべきだとは誰も考えていません。新しいものは過去へのホワイエであり、それを再発明し、変えます。新しいものを否定することは、それに取りつかれているように「死に至る」ことです。それで、これらの他の博物館はホイットニーの例からどれだけ学ぶことができますか？それは完璧なテンプレートではありません。確かに、ホイットニーもこれの一部を台無しにすることになります。しかし、いくつかの教訓があります。永続的なコレクションを表示し、それらを新しい買収のために動作させるのに十分なスペースを作ります（そして逆も同様です）。量や娯楽ではなく、品質と独創的な思考に集中します。何よりも、博物館の評判が芸術家の裏に建てられていることを決して忘れないでください。アートが機関の中心でない場合、機関が保持できないことがわかります。ホイットニーミッションの特殊性については、まあ、マットジャスト詳細を明らかにしましたBreuer Buildingでの最初のショー - 「未完成」は、ルネッサンスのマスターから現在まで、ティツィアーノまで、古いものを一緒にします。この発表はほぼ1年前に行われ、たまたま新しいホイットニーがオープンする直前に作られました。彼らは正しい考えを持っていたが、彼らは競争力を感じていたに違いない。
「博物館は、歴史的と現代の間の適切なバランスを見つけるでしょう」と、クリエイティブタイムの将来を見据えたディレクターであるアン・パステルナックは私を安心させます。そして、そうでない人たち - 彼らも新しい機関を生み出すかもしれません。それは以前に起こり、壮大な結果が得られました。 MOMAは、1929年にMETの現代美術を無視して生まれました。翌年、ホイットニーは、メットとママのアメリカ芸術に応じて組織されました。 1970年代にこれらの2つの機関が「挑発的な決定」から避け始めたとき、Alanna Heissのような先見者はPS1になったものを作成し、Marcia Tuckerはホイットニーを去り、新しい博物館を設立しました。それが爆発的な博物館が反応しない方法です。しかし、たぶん、たぶん、新しいホイットニーは十分に爆発的であり、私たちに道を示しています。
*この記事は、2015年4月20日号に掲載されていますニューヨーク雑誌。
